Walt Disney Presents… Como se hizo (1 de 2): Fantasia (varios directores, 1940)

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Fantasía no empezó siendo concebida como una película, todo lo contrario. Empezaba siendo un corto de Mickey Mouse con música clásica de fondo. El pato Donald empezaba a eclipsar la popularidad del ratón y querían hacer algo a lo grande con el ratón. Se decidió darle una fisonomía más trabajada (pupilas dentro de pupilas, rasgos más amables y distintivos) al igual que se quiso utilizar música clásica como banda sonora. Disney admiraba mucho el trabajo de Leopold Stokowski y viceversa. Un encuentro entre ambos en un restaurante de Beverly Hills, como suele decirse, hizo el resto. El director de orquesta propuso como título “Fantasía”, término musical para una pieza basada en el arte de la improvisación y entre sugerencias y aportes decidieron convertir el corto en un largo. Por último se contó con Deem Taylor como narrador famoso por sus críticas musicales, comentarios y su forma de hacer más cercana la música clásica al resto del público.

Tal era la complejidad de la película que se inventó un sistema de sonido que se convirtió en el Fantasound. Indicar que llevaba un proceso arduo y difícil pues había que adaptar los cines al sistema estéreo. Sin ir más lejos “Fantasía” fue la primera película animada con dicho sistema. La película comenzaba de una forma nunca antes vista pues se empezaba con imágenes reales donde se podía ver a la orquesta y sus miembros aparecer en pantalla tomando asiento con los distintos instrumentos.  Una de las decisiones artísticas para la película fue que un elemento concreto dominase al resto y los dirigiese (Stokowski a la banda, los dioses al Olimpo, el brujo a Mickey o Chernabog a las almas). Desgraciadamente muchos temas que se pretendían utilizar en Fantasía acabaron descartados y pasaron a ser utilizados en “Música maestro” (como por ejemplo el caso de “Claro de Luna”). Se escucharon infinidad de temas musicales y una gran variedad de piezas de música clásica hasta dar con los 8 definitivos. “Fantasía” fue tildada de “El Silly Symphony definitivo”.

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 Para la primera parte de la película (Tocata y fuga) Disney planteó utilizar el 3D. Tenía que ser una pieza seria y solemne a petición expresa de Walt. Una de las inspiraciones claras para el tipo de animación abstracta que plasmaron fue el corto “Colour Box” de Len Lye. Una de las innovaciones fueron los efectos de iluminación y color como por ejemplo según el instrumento empleado se iluminase de cierto color o la utilización de  siluetas superpuestas en las paredes con focos. Aunque pueda parecer un poco tosco a día de hoy en su momento fue una de las mayores novedades utilizadas en una película de animación.

Muy interesante que Oskar Fischinger, un director alemán de animación abstracta que trabajaba para la Paramount, le propusiese 2 años antes a Stakowski llevar a la gran pantalla “Tocata y Fuga” pero el director de orquesta no aceptaría realizar algo así hasta llegar a tenerlo todo bien preparado. Curioso que años después Fischinger acabase trabajando para Disney y Stakowski en “Fantasía” y por un salario muchísimo menor. Huelga decir que el director se vio un poco traicionado al respecto. Aún así no fue todo lo abstracto que debía ser precisamente porque el mundo no estaba acostumbrado a un estilo tan radical asociado a un apellido como Disney. Las modificaciones en el trabajo de Fischinger fueron tan importantes que éste se desilusionó con el resultado y su nombre no aparece en los títulos de crédito. “Tocata y fuga” es un preludio o una introducción a Fantasía, no una obertura en sí pues sus parámetros y constantes están repartidos por toda la obra, de forma sutil y subliminal pero muy reconocible. “Fantasía” fue un desafío absoluto para el público de la época por su riesgo y atrevimiento a la hora de plasmar la música y las imágenes que acompañaban y daban forma a dicha música.

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La suite del cascanueces es la parte más parecida a las Silly Symphonies. Es una sección que intenta plasmar la naturaleza en estado puro. Al ser una suite y no una sinfonía los dibujantes no estaban obligados a representar la animación al son absoluto de la música. Eso daba a Disney y a su equipo mayor libertad de movimientos y pudieron realizar distintas variaciones tanto musicales como artísticas pero siendo fieles a la esencia de la música y movimiento. Sam Armstrong fue el encargado de dirigir tanto esta sección como la anterior. El animador de efectos fue el italiano Ugo D’Orsi. Les Clark (uno de los 9 ancianos) fue el encargado de dibujar a las hadas y darles la idea de que volasen como colibrís (eso repercutió en que se acopló tal idea a Campanilla en la cabecera del programa televisivo Disneyland). Uno de los apartados más difíciles de hacer fue las gotas de agua en la telaraña. Para el segmento de las setas chinas Disney pensó en bailarines chinos con forma de lagartos orientales bailando para una rana mandarina.  Los tres chiflados fue otra de las influencias a la hora de dibujar a la seta más pequeña.

En 1935 Disney pensó en una Silly Symphonies titulado “El ballet de las flores”, algo que tomó forma en esta parte de Fantasía. Otro de los logros del segmento es que cuando las flores caen el reflejo es difuminado y se crearon hondas alrededor para hacer ver que caían sobre el agua. Un trabajo artesanal impecable. Para la sección de las flores se rodó mucho material con bailarinas de ballet para tomar como referencia la fisonomía y movimientos de las artistas, al igual que se tomó como referencia a modelos de ballet para el movimiento de los vestidos. Para la danza árabe también se filmaron imágenes naturales e imágenes de la danza de la princesa Omar (quien bailó incluso para la realeza) para representar los insinuantes y provocativos movimientos. “Pinocho”, como trabajo, ayudó mucho en lo que se refiere a la animación del agua (al igual que ayudó mucho el personaje de Cleo). Otro de los elementos que se repite constantemente durante muchos momentos en “Fantasía” es la burbuja el cual sirve para dar paso a otro segmento o para representar lo frágil u onírico. La danza rusa con los cardos bailando se decidió que no fuese en un bosque sino en un escenario de fondo negro (las sombras sirven para dar posición al decorado) pues de esta forma vemos la sincronización de los movimientos de las flores. Es otro de los segmentos más complicados debido a que se incluye mucho movimiento, muchas sombras, mucha coreografía y muchos personajes por plano junto con iluminación, efectos de sonido y animación.

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 En el vals de las flores se enfatizó mucho el cambio sutil de la coloración pues se pasa de la primavera al verano, de este al otoño y seguido al invierno con la transformación de las hojas. Se vuelve a recurrir a hadas (sólo que de distinta forma). Walt tuvo una idea en mente que tristemente fue desechada: repartir fragancias entre los espectadores para darle mayor impacto a lo que el público podía sentir mientras contemplaba los cambios de estación. Otro gran desafío en cuanto a animación fue que para este segmento Walt quería que las hojas bailaran entre sí con el mismo realismo que cuando el viento sopla y las empuja. Algo realmente difícil de conseguir. Disney se inspiró en los cuadros de Edgar Degas para esta parte pues el tono difuminado junto con la estilización grácil de las bailarinas es muy semejante. También se utilizaron láminas, pincel seco y un aerógrafo para el tono, sombreado y el diseño requerido. Otro de los efectos animados fue copos de nieve reales sobre ejes en movimiento. La razón es que encajara con la animación de las hadas y no se notara tanto la transición.

El aprendiz de brujo fue el principio de todo y se decidió que su duración iba a ser el doble de un corto Silly Symphony. Se barajó la idea de que Mudito fuese el aprendiz.  Incluso se propuso crear un personaje secundario pero se descartó. La composición de Stokoski para esta pieza costó 160.000 dólares, 3 o 4 veces más que cualquier Silly Symphony. De ahí que se decidió que el corto se convirtiese en un largo bajo el título, en principio, “La película concierto”. Una de las razones por las cuales se decidió que Mickey llevara ropa más grande (las mangas largas es uno de los casos más recordados) era para darle un toque más infantil y tuviese cierta referencia con el corto sonoro “El concierto” donde Mickey tenía problemas similares. Estaba claro que la carrera de Mickey Mouse había acabado relegada a un segundo plano pues otros personajes Disney habían acaparado la atención como Donald o Goofy. Esta era una forma de relanzar su carrera. Se decidió también que fuese un corto mudo, sin diálogos, para acentuar la interpretación gestual del personaje.

Uno de los efectos más característicos del corto es cuando la escoba cobra vida a partir de fogonazos de luz. Algo que sistemáticamente se relaciona con la magia que describe el corto, un elemento que en parte forma de la idiosincrasia particular de Walt Disney. Éste describe que gracias a Mickey Mouse acabó convirtiéndose en lo que es hoy día y que gracias a Blancanieves consiguió que la palabra magia fuese un sinónimo del estilo tradicional de la animación Disney. De ahí que este corto, en parte, también verse sobre ese elemento. Incluso vemos que tiene cierta simbología con la carrera artística del maestro pues al igual que después de Fantasía la vida ya no fue igual para él, Mickey tampoco puede deshacer el truco de magia. Siguiendo con el corto, Riley Thompson fue un artista imprescindible en esta sección pues se ocupó de gran parte de la animación incluida la sección donde Mickey sigue dándole órdenes a la escoba a medida que va quedándose dormido.

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Otro de los momentos más recordados es la transición del sueño, un momento que recuerda en cierta manera al corto “A través del espejo” del propio Mickey, el cual abandona su cuerpo para ir al mundo de los sueños. Para esta sección Walt tenía muchas ideas y decidió que la actuación del ratón fuese una parodia o pantomima de un director de orquesta. La primera secuencia que se hizo del corto es aquella donde vemos a Mickey caminar sobre el agua para intentar parar a la escoba. Todo fue obra de Preston Blair, alguien que siempre ha estado relacionado con el mundo de la animación. Antes de ir con Disney trabajó para Universal (Walter Lantz) y después de la fatídica huelga del 41 acabó trabajando para la MGM y luego para Hanna-Barbera (Los Picapiedra). Una de las cosas que le preocupaba al estudio era el carácter violento de Mickey cuando acaba con la escoba con el hacha, aunque fuese un objeto. Antes de ver la escena tal y como la conocemos en el corto llegó a crearse una escena con la acción directa, donde acababa con la escoba en plano objetivo.

Mickey Mouse pasó por una evolución constante. Al principio, de mano de Ub Iwerks, era un personaje travieso (tirando a repelente) y con una textura más gomosa, donde todo eran círculos y líneas. Fue evolucionando hacia un personaje más agradable y curioso. Con “El aprendiz de brujo” sería el punto final de un estilo y el que acabaría por dar la fisonomía y carácter definitivo al personaje, todo gracias a la inmensa labor de Fred Moore, pues le añadió pupilas a los ojos y dándole unas facciones faciales más definidas con las mejillas. Walt Disney fue la inspiración tanto para Mickey como para el brujo. Sin ir más lejos éste último se llama Yensid, el apellido de Walt al revés. El momento en el que el mago arquea la ceja se empleó la fisonomía del propio Disney pues era el gesto que solía hacer cuando algo no le acababa de gustar. El corto en sí mismo se convirtió en un auténtico clásico instantáneo. Tal fue el caso que se volvió a emplear para “Fantasía 2000” redibujando el corto por completo. En la instancia final aparece Mickey felicitando a Stakoski, una forma de romper la dialéctica del corto para acabar congraciando a dos maestros, Disney a través de Mickey con su voz y el director de orquesta dándole la mano al ratón.

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La consagración de la primavera fue propuesta por Deems Taylor pues Walt preguntó qué tema musical evocaba el inicio de la vida en la tierra y en la época de los dinosaurios. Stravinski se interesó por ver que iban a hacer con su composición. Visitó los estudios Disney y vio parte de la escena terminada. Hay opiniones de todo tipo. Por un lado se comenta que quedó contento con el resultado y por otro se dice que le decepcionó el camino que tomó la película para con su obra. Incluso se llega a comentar que lo que vio le pareció una “imbecilidad”. Pero huelga decir que no debió quedar muy descontento cuando vendió los derechos a Disney para otras partituras suyas como “El pájaro de fuego”. Cy Young era el encargado de los efectos visuales de esta sección. Acabaría siendo despedido tiempo después por su participación en la famosa huelga del 41. Walt quería un espacio infinito, algo que era, lógicamente, completamente imposible. De ahí que se recurrieran a maquetas y fondos diversos, hasta llegar al punto de utilizar paredes con agujeros para que la luz pasase por ahí e hiciese el efecto de espacio profundo. Otro detalle curioso es que vemos la tierra roja, algo que nunca se había visto previamente.

Robert Sterner hizo varios dibujos del cosmos, los ríos de lava y de las batallas de los dinosaurios. Gustaron tanto que fueron el elemento necesario para conseguir el estilo deseado. Walt indicó que esta parte quería que fuese como un documental, como si hubiese enviado a una expedición a los orígenes de la tierra. Josh Meador fue el encargado de los efectos para las burbujas de lava. Para ello utilizó una mezcla de café, avena y barro en un cubo. Unas bombas de aire colocadas en el cubo realizaban las burbujas y una cámara de alta velocidad captaba el movimiento para plasmarlo luego en la película. Luego se teñirían de rojo y fondo amarillo para conseguir el efecto deseado. Walt estuvo implicado en todo el proceso narrativo. Para la siguiente parte, donde vemos los seres unicelulares en el fondo del agua, recurren simbólicamente a “El sacrificio de la doncella” de la obra de Stravinski con el sacrificio de moléculas al alimentarse unas de otras para conseguir un organismo mayor. La lucha por la vida en todo su esplendor. John McManus es el encargado de la animación de las amebas (aunque ya había trabajado previamente en el corto de “El viejo molino”, “Blancanieves y los siete enanitos”, “Pinocho” y trabajos posteriores). Sus efectos de luz y niebla volverían a verse en el “Ave María” final de “Fantasía”.

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“La consagración de la primavera” es la única parte de “Fantasía” que contrapone el gusto estadounidense con el europeo. La razón es porque a lo largo del S. XX fue en América donde se hizo la mayor ristra de descubrimientos paleontológicos a la vez que estos influyeron en obras americanas ya sea del arte, del cine o del comic. Disney pidió que los animadores y encargados de la parte artística estudiaran música y se nota debido a que los movimientos de muchos dinosaurios van al compás de la música complementando al sonido (la sección de los pterodáctilos es patente de esto). Art Palmer es uno de los dibujantes destacados al respecto. Uno de los aspectos que creaba dudas es que los dinosaurios resultaran creíbles pues previamente solían presentarse a estos animales desde una perspectiva cómica. El mítico Reitherman fue el encargado de que esto no sucediese y a excepción de los bebés dinosaurios plasmaron dinosaurios con una credibilidad / realidad nunca antes vista. Fue este mismo el encargado de dotar de un realismo impresionante los movimientos del T-Rex y el Stegosaurus. Su trabajo a la hora de lograr que grandes masas tuvieran ese realismo ya se vio reflejado en Monstruo, la ballena implacable de “Pinocho”.

La última sección parece un anticlímax de todo lo que hemos visto previamente por la razón de que vemos la extinción de los dinosaurios. Los animadores no sólo se esforzaron en plasmar los colores terrosos para esta última parte sino también para conseguir los movimientos aletargados de los dinosaurios y las texturas del barro. Debido a que la 2ª Guerra Mundial hizo que “Pinocho” y “Fantasía” fueran fracasos en taquilla, al igual que “Dumbo” y “Bambi” fueron relativos éxitos, nunca más volvieron a realizar una película tan ambiciosa como ésta. Pero a pesar de no haber cosechado el éxito que se esperaba y merecía, “Fantasía” siempre es considerada como un antes y después en el campo de la animación, algo que a pesar de estar actualmente en la era de la tecnología avanzada siempre es referida como algo sumamente ambicioso y pocas veces visto hasta la fecha. Fue tal la ambición de Disney que tenía pensado seguir esta sección con la aparición de los mamíferos y el hombre pero tuvo miedo de no recibir la respuesta esperada al enfatizar mucho la teoría de la evolución y acabó descartándose. Así como el principio es fuego contra agua, vuelve a verse un contraste acentuado al verse agua contra tierra, lo nuevo contra lo viejo, el ciclo de la vida en constante movimiento. Con la aparición del eclipse solar Disney simbolizaba el final de una era y el principio de otra al igual que servía de transición entre el fin de la primera parte para dar paso a la segunda.

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Walt Disney quería terminar “Fantasía” con “La consagración de la primavera”. La razón es que el impacto hubiese sido mucho mayor y todo lo que viniese a continuación sería un fracaso. Al final se decidió ponerla en el final de la primera parte con el interludio o el descanso de los músicos levantándose para continuar minutos después. Una de las innovaciones para la película fue el antes mencionado Fantasound, un sistema de audio que se diseñó expresamente para “Fantasía”. Lo diseñó el ingeniero de sonido William Garity y el mezclador John N. A. Hawkins. Esta película fue la primera en utilizar un sistema de sonido multipistas, lo que llevó al desarrollo del mítico sistema surround. El problema del Fantasound es que era un sistema innovador y casi ninguna sala de cine tenía el equipo adecuado para reproducirlo. La razón es que la película tenía mucha más variedad de sonidos, efectos y música que una película convencional. Hay que añadir que este sistema hacía que el sonido fuese más fuerte y nítido. RKO se negó a distribuirla por la razón de que no estaba dispuesto a desembolsar el capital necesario para que se adecuara cada sala al sistema. Fue el propio Disney quien se vio obligado a distribuirla por sí mismo. El desembolso, implicaciones, normativas y demás fueron tan grandes que la película no pudo distribuirse como les hubiese gustado con el innovador sistema. Aún así eso llevó a que Irving Ludwig fundara la distribuidora oficial de Walt Disney: Buena Vista.

Como se hizo “Fantasía” (parte 2 de 2).

Crítica de “Fantasía” (VD, 1940). Inabarcable perfección Stendhal.

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