Disney presents… como se hizo “Dumbo” (Ben Sharpsteen, 1941)

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Por extraño que parezca “Dumbo” fue la salvación de Disney. “Pinocho” y “Fantasía”  fueron fracasos en taquilla y Walt necesitaba algo que lo salvase de la quiebra. Basándose en el cuento de Helen Aberson y Harold Pearl, el único cuento de toda su obra Disney compró los derechos y le encargó el guión a Dick Huemer y a Joe Grant, uno de los apellidos más importantes en la compañía. Lo cierto es que la película fue de creación rápida. Para empezar no pusieron tanta dedicación en ella como en títulos anteriores pero estaba claro que, por el contrario, los animadores se encontraban bien con ella. Al no exigir tanta perfección ellos hacían dibujos de forma más rápida y eso ayudaba a su realización. Roy Disney indica que con “Dumbo” no estuvo tan pendiente ni de forma tan exhaustiva como quizás sí lo estuvo en todas las anteriores. Además cuenta que es de los poquísimos casos donde una película contiene un metraje tan corto (apenas 60 minutos) cuando lo lógico es que dure más. Aún así, visto el resultado, tampoco necesitaba más pues tanto cabeza, nudo y desenlace está montado de tal forma que tiene un hilo narrativo muy ajustado. Una de las razones de su gran éxito fue que no era otra “Fantasía”, un producto completamente arriesgado, sino algo que representaba a la perfección lo que se esperaba de un apellido como Disney.

Los creadores destacan que es una película sencilla, sin mucha complicación argumental pero que lo prima por encima de todo es su inteligente narrativa que sirve como ejemplo a la hora de contar cosas en el menor tiempo posible. También hay que añadir que el  diseño de personajes es redondeado, muy accesible, fisonomía muy parecida a la de un libro para colorear. Esto hace que la gente acepte rápidamente todo lo que acontece en la película. Merece distinción especial, por extraño que parezca, el detalle minucioso de los elementos naturales como las nubes o los físicos como la carpa. Uno de los apartados que funciona muy bien es el lado emocional del protagonista pues los niños son los que descubren en su cuerpo, quizás, partes que les hacen sentir feos o rechazados y rápidamente conectan con Dumbo, comprendiendo lo que es ser señalado. Otro de los aciertos según la crítica y animadores actuales es que “Dumbo” es un personaje mudo, algo que conllevaba mayor dificultad por la razón de que se tenían que trabajar mucho las expresiones y los movimientos. El protagonista es un personaje que no tiene diálogos (algo muy pocas veces visto) convirtiendo su aparición en cine silente.

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El personaje de Timoteo, ese ratón inteligente y defensor del débil, congenió con el público por varios motivos. Aparte de ser la voz y ayuda de Dumbo es el personaje que todos hubiesen querido tener cuando sufrían abusos o insultos en la escuela cuando eran pequeños. Su participación en la película es el elemento que alivia la tensión y dramatismo del elefante, de esta forma se convierte en una de las piezas fundamentales de la historia. En la obra original no era un ratón sino un petirrojo pero se decidió utilizar al pequeño roedor por la razón de ser el animal que causa terror a los elefantes. Interesante también un aspecto referente a la madre: aunque la madre de Bambi es perfecta por proteger a su hijo de los peligros que acechan a su cría la señora Jumbo va más allá por la razón de que protege a Dumbo y encima castiga a quien ha atacado a su hijo. En la película se demuestra que ella quiere ser madre a toda costa (la escena de la cigüeña), de ahí que sea mucho más protectora que otros casos. Si encima le añadimos la crisis emocional al separarla de su bebé y encerrarla por ser considerada un animal peligroso y enajenado hace que sea un personaje dramático y doliente para el espectador porque empatiza al instante con su dolor, su sufrimiento y magnifica la impotencia al no poder hacer nada por solucionar la situación.

Otro de los personajes que nunca sale a la palestra pero que tiene un trabajo visual enorme es el tren, Casey Jr. Un elemento inanimado con vida propia y que representa uno de los clásicos ejemplos donde Walt Disney deseaba a toda costa dotar de vida a objetos inanimados. A lo largo del metraje, de forma sutil, se ensalzan muchos aspectos de él como la vida que inyecta a sus escenas o que esté siempre en constante movimiento. Al respecto también se juega mucho con el efecto visual como por ejemplo al reflejar su silueta en el agua o cuando viaja a través de Florida, etc. Otra de las razones por las que “Dumbo” fue un éxito es porque transmitía de forma creíble la esencia del mundo del circo, en el sentido más estricto, nostálgico y romántico de la palabra. En la época que se estrenó la gente, sobre todo las que vivían en zonas rurales y que no tenían tele, la visita anual del circo era todo un acontecimiento. De ahí que se transmita tan bien la sensación de fiesta en todos sus aspectos (se utilizaron colores vivos y brillantes para muchas escenas como la de la cabalgata para conseguir ese efecto de festividad constante).

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Claro está hablamos de una película Disney y si por algo destacan las películas de este apellido es por la parte emocional. En ese caso hay que destacar la gran escena de toda la película donde Dumbo va a visitar a su madre. La perfección artística, técnica junto con la sensibilidad y emotividad del encuentro es perfecta. Cómo la trompa se convierte en un brazo meciendo al bebé es de un trabajo laborioso al igual que las lágrimas y los ojos vidriosos del elefante forman ya parte de la memoria colectiva por la razón de que consiguen transmitir toda una amalgama de sentimientos. Los animadores se encargaron de que Dumbo tuviese la ternura y desolación requerida para que el público simpatizara con el personaje al instante. Esto se encuentra en contraste con el otro momento hipnótico: la ensoñación de los elefantes rosas. Se destaca por encima de todo lo grotesco de la propuesta. Se cita a Dalí (lógicamente) por la incoherencia desde cualquier aspecto. Incluso se llega a comentar que en la historia de la animación no hay casi ninguna escena de esa época que pueda transmitir tanta animadversión, fascinación e hipnotismo a partes iguales.

La parte de los cuervos es un ejercicio de estilo grácil que juega con la fluidez de movimientos y un estilizado baile que se ha intentado imitar en muchas ocasiones pero pocas veces se ha conseguido igualar. Otro elemento a señalar es cómo hay cierta ambigüedad en el carácter de estos pájaros por la sencilla razón de que en un principio son malos o, en cierto sentido, burlones con Dumbo para luego acabar siendo amigos del paquidermo, ayudados también por el elemento mágico de la pluma, una simbología al “cree en ti mismo”. Se concuerda que la película fue de los primeros éxitos donde el débil es el protagonista y acaba siendo el héroe, algo como ya sucediera en “Rocky” o Karate Kid”.  El filme se encuentra, dicho por los críticos y artistas dedicados al mundo de la animación, entre lo mejor de la compañía considerando la era dorada desde “Blancanieves y los siete enanitos” hasta “Bambi”. Y a pesar de que cinematográficamente “Dumbo” sea el título menos favorecido visualmente,  simplemente por su carga emocional y por su transmisión de sentimientos la consideran como una pieza clave dentro del mundo de la animación y del séptimo arte en general.

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Pero hay que entender que para esta pieza de animación se quiso ahorrar todo lo posible. Por ejemplo para “Blancanieves y los siete enanitos” perdieron mucho tiempo con secuencias que luego fueron desechadas. Aquí fueron al grano con las ideas claras y con el storyboard mucho más conciso. Se llegó a un nivel de ahorro que para algunas secuencias se utilizaron fotocopias de los bocetos y posteriormente limpiadas para aparecer en la película. Para ciertos fondos se emplearon acuarelas muy sencillas (e incluso simples) donde no hacía falta tanto detallismo. Otro de los apartados donde se ahorró trabajo fue en la anatomía de los personajes. Los diseños son más acordes a los empleados en las Silly Symphonies que a la perfección milimétrica de Bambi (muchos de los dibujantes de “Dumbo” procedían de aquellos cortos). Sin ir más lejos, los maestros que enseñaron a los grandes artistas que hicieron grande al apellido Disney se encontraban en las filas de los implicados en los dibujos, diseños y acabados.

Los apellidos implicados en cada uno de los personajes son los siguientes: Bill Tytla (Chernabog, Stromboli) se encargó de Dumbo, inspirándose en Peter, su hijo de 2 años. Art Babbitt (los hongos de Fantasía) se encargó de la cigüeña, inspirándose en el actor que lo doblaba en versión original, Sterling Holloway. Freedy Moore fue el que dio vida a Timoteo. Ward Kimball le tocó animar a gran parte de los cuervos. Se usó a los hermanos Jackson, un equipo de baile, para poder captar sus movimientos y acciones y así trasladarlos a los pájaros. También, a su vez, utilizaron diálogos típicos de las bandas de jazz típicas de Louis Armstrong o Cab Calloway. También se empleó estilos de artistas como Grant Wood para las colinas ondulantes cuando pasa el tren pero también el surrealismo tan típico de los años 30 para la mítica escena de los elefantes con Dalí como ejemplo e influencia. Algo que llama mucho la atención es la transición de formas y colores en esta secuencia.

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Se comenta que la inspiración o el empuje necesario para el corto “Destino” vino del éxito que obtuvo la parte de los elefantes rosas. Heinrich Kley, artista cuyos dibujos de elefantes transmitiendo emociones sirvieron de inspiración para “La danza de las horas” en “Fantasía”, fue el apellido necesario para conseguir lo que se ve en la sección de la pirámide de elefantes. Walt Disney quería ayudar a sus dibujantes con influencias de todo tipo. Veían cine de los años 20, cine de expresionismo alemán, etc. De ahí que “Nosferatu” fuese una influencia palpable para la secuencia donde Timoteo aparece como una sombra en el camerino del maestro de ceremonias. Es más, las sombras es algo muy recurrente como por ejemplo la secuencia de los payasos (aunque luego también representaran a los empleados que participaron en la fatídica huelga del 41). También se juega mucho con el simbolismo como el caso de la madre que está encerrada y se mece de aquí para allá con las sombras de los barrotes reflejándose sobre ella para luego pasar a la siguiente escena y ver a Dumbo meciéndose de la misma forma y las rallas de la carpa donde se encuentra sirvan a modo de barrotes. Algo que está expuesto de una forma muy subliminal.

El éxito de la película fue arrollador. La gente fue a verla varias veces seguidas. La crítica la alabó diciendo que Walt Disney había vuelto, de forma muy positiva, a lo básico y esencial. Fue tan taquillera que la revista Time estuvo a punto de darle la  portada a Dumbo pero EEUU entró en la Segunda Guerra Mundial y Pearl Harbor fue quien ocupó esa portada con el almirante Yamamoto. El filme fue, en cierto sentido, un antes y un después. La huelga hizo que los estudios Disney ya no fuese el lugar que era antaño y Walt empezó a distanciarse poco a poco de sus artistas dejando a un lado aquella sensación familiar que había entre todos ellos.  Fue, por así decirlo, el fin de una era dorada y una época en todo su esplendor en cuanto a estilo y narrativa aunque aún quedaba por llegar “Bambi”, la apoteosis de la animación y la cúspide de un estilo consagrado.

 

Crítica de “Dumbo” (Ben Sharpsteen, 1941). El símbolo de la superación.

 

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